Siete libros para recordar a John Lennon

El 9 de octubre de 1940 nació en Liverpool John Winston Lennon, líder y fundador de The Beatles. Considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX, su legado musical ha inspirado películas, documentales y novelas. Un día como hoy cumpliría 83 años y lo recordamos con algunos libros basados en su vida y obra.

Las muchas vidas de John Lennon – Albert Goldman

El escritor y académico estadounidense entrevistó a muchas personas cercanas a John Lennon, con lo cual construyó un retrato fidedigno del artista que buscaba la paz de toda una generación. Sin embargo, tras su publicación en 1988, este libro generó controversia entre los fanáticos de John Lennon, ya que se mostraba a un artista alejado de sus ideales, consumido por las drogas y asediado por un constante problema de identidad. Además, Goldman deja entrever, entre otros puntos, que muchos de estos sucesos fueron escondidos para no desmitificar la figura de Lennon.

Karma instantáneo para John Lennon – Arturo Delgado Galimberti

El autor peruano Arturo Delgado Galimberti nos ofrece la construcción de su propio John Lennon, en medio de una sociedad de consumo y conflictos políticos. La premisa es por demás interesante: En enero de 1980, en Japón, fallece Paul McCartney durante la última gira del grupo Wings. John Lennon decide afrontar la noticia aislándose con Yoko Ono y su hijo Sean.

Con los años, la figura de McCartney es elevada a la categoría de leyenda, mientras que Lennon, recluido en el edificio Dakota de Nueva York, acepta que la muerte de su excompañero opacó su carrera musical y política. Una novela de cabecera para todo fanático de Lennon y The Beatles. Una ucronía bien estructurada e imperdible, para quienes disfrutan de los universos alternos y los qué hubiera pasado sí….

¿Quién mató a John Lennon?  – Lesley Anne Jones

Un exhaustivo trabajo periodístico recoge los pasos de John Lennon, desde sus primeros años hasta el 8 de diciembre de 1980, día de su asesinato. Uno de los atributos de esta publicación es que Jones analiza los motivos que llevaron a Lennon a autoexiliarse en Nueva York. Sin embargo, hay una pregunta que la periodista deja abierta para el lector: no se trata de saber cuando murió Lennon, sino, ¿en qué momento “falleció” el auténtico Lennon? Más certera aún, Jones considera que las balas disparadas por Mark David Chapman fueron los tiros de gracia a una muerte que fue escalando durante años.

Lennon – David Foenkinos

El músico, escritor y cineasta francés ofrece un delicioso relato sobre Lennon, a modo de biografía, pero narrada en primera persona. Pasando por la agitada infancia del artista, la pérdida de su madre Julia, The Beatles y su relación con Yoko Ono, el relato de Foenkinos abarca, con humor y precisión, hechos determinantes que moldearon la filosofía de John Lennon frente a un mundo que empezaba a desmoronarse bajo los cimientos del desánimo.

Las cartas de John Lennon – Hunter Davies

Esta correspondencia configura un testimonio invaluable de las relaciones que mantuvo Lennon con su familia, amigos, novias, fans e incluso personas sin nombre que, de alguna manera, causaron impacto en su visión de la vida. Hunter Davies, periodista y autor de la única biografía autorizada de The Beatles, recopiló y editó cerca de 300 cartas y postales, algunas de ellas acompañadas de ilustraciones y juegos de palabras. Asimismo, este libro cuenta con la aprobación de la viuda de Lennon, Yoko Ono.

John Lennon – Phillip Norman

Publicado bajo el sello Anagrama en 2009, esta obra aborda etapas poco comentadas sobre la vida de Lennon. De este modo, Norman relata la estricta crianza que recibió el artista por parte de su tía Mimi, así como un detallado estudio de su pasión por la literatura y la pintura, facetas poco exploradas. Si bien cada biografía sobre John Lennon ofrece un retrato particular, el Lennon de Norman es un hombre lleno de contradicciones, de temores, pero de una sinceridad irreprochable.

John Lennon: los años en Nueva York – Bob Gruen

Conocido por fotografiar a estrellas del rock, Gruen parece decirnos con sus brillantes fotografías que nadie se le contó: él estuvo allí. Este archivo fotográfico abarca la vida de Lennon en Estados Unidos de 1971 hasta 1980. Se sabe que Gruen y Lennon fueron grandes amigos, por ello, en este libro se encuentran fotografías míticas como el concierto de Madison Square Garden, el nacimiento de Sean Lennon, hasta las sesiones de grabación de Double Fantasy, el último álbum de Lennon. Libro imprescindible para conocer la vida del músico británico.

Bonus track: El guardián entre el centeno – J.D. Salinger

Este no es un libro sobre John Lennon, pero de alguna manera fue determinante en sus últimos días. Se trata de una novela escrita por el novelista estadounidense J.D. Salinger en 1951, la cual generó gran controversia, debido a que tocaba temas prohibidos como la sexualidad y los abusos.

La historia sigue los pasos de Holden Caulfield, ícono universal de la rebeldía adolescente y la pérdida de la inocencia de esta etapa, quien siente que no encaja en el mundo y se da cuenta que es diferente a muchas personas que lo rodean.

Curiosamente, Mark David Chapman, quien asesinó a John Lennon, compró un ejemplar el día del crimen y lo firmó bajo el nombre de Holden Caulfield. De hecho, luego de disparar contra el músico, la policía lo encontró leyendo la novela. Además, declaró que «una parte de él era Holden Caulfield, la otra mitad debe ser el diablo», en alusión al protagonista de la novela, que según se sabe, fue su inspiración para acabar con Lennon.

Cuatro libros sobre Charly García

Charly García cumple hoy setenta años. Aparte de la influencia que tuvo sobre los músicos que vinieron después, el artista ha sido motivo de la escritura de libros sobre su vida y su trayectoria.

El creador de grupos como Sui Generis y Serú Girán, el artista del oído absoluto, el de bigote bicolor, puede ser idolatrado o despreciado, pero no deja a nadie indiferente. Nacido en Buenos Aires el 23 de octubre de 1951, Charly García es considerado una de las figuras más importantes e influyentes en la historia de la música del América Latina. Es también uno de los músicos más prolíficos que se conocen, habiendo compuesto música desde inicios de los años setenta, cuando formó Sui Generis junto a Nito Mestre. Además de su incursión por distintos estilos de música, como rock experimental, folk rock, new wave, lo-fi y algo de jazz rock, Charly es querido por sus letras irreverentes y sinceras, en las que ataca las convenciones sociales, al Gobierno e ironiza sobre la locura y el amor.

En esta nota, repasamos algunos de los libros que se han escrito sobre el artista a lo largo de su carrera.

No digas nada: Una vida de Charly García (Sergio Marchi. Editorial Sudamericana, 1997)

El periodista Sergio Marchi siguió a Charly García entre 1993 y 1997, durante lo que se considera el periodo más salvaje del cantante. Esta biografía narra algunos episodios emblemáticos de su carrera, como el piscinazo desde un noveno piso en un hotel de Mendoza, su actuación con Mercedes Sosa y su relación con Carlos Menem, expresidente de Argentina. Un libro infaltable para quien desea saber más de su obra musical y su personalidad especial.

Charly Garcia, 1983. Acerca de Clics modernos(Oscar Conde. UNIPE Editorial Universitaria, 2019)

A lo largo de estas páginas, el autor aborda las letras de Charly desde el punto de vista literario, con el foco puesto en su segundo disco como solista, Clics Modernos (1983), que lanzó en el Luna Park a comienzos de la democracia. El autor hace un recuento de la obra de Charly desde sus inicios y reconstruye el contexto político y social en el que creció Charly, y también hace un análisis de este disco, que tiene clásicos como «Nos siguen pegando abajo», «No me dejan salir», «Los dinosaurios» y «Ojos de videotape».

García. 15 años de entrevistas con Charly (1992-2002). (Daniel Riera y Fernando Sanchez. Vademecum, 2020)

Entre los años 1992 y 2007, los periodistas Daniel Riera y Fernando Sanchez entrevistaron a Charly García en diferentes espacios y situaciones: estudios de grabación, aviones, cuartos de hotel, junto a Mercedes Sosa o su hijo Miguel, en la previa al regreso de Serú Girán. Todos estos encuentros se compilan en un gran volumen de todas las facetas de uno de los rockeros más importantes de la música argentina y latinoamericana.

Esta noche toca Charly. Un viaje por los recitales de Charly García (1956-1993). (Roque Di Pietro. Gourmet Musical, 2020)

Roque Di Pietro publicó este libro relatando todos los conciertos que tuvo Charly García a lo largo de su carrera, desde sus audiciones en el conservatorio Thibaud-Pizzini en 1956 hasta el concierto en el estadio de Ferrocarril Oeste en 1993. A diferencia de otros libros de García, el autor no se centró en su biografía, sino en sus apariciones en vivo, cuando el artista aprovechaba para experimentar y probar arreglos e ideas.

El nuevo libro del Rey Lagarto

Escribe Talía Chang

*Fotografía de portada: Revista Esquire.

La obra poética de Jim Morrison es menos conocida que su música, pero decisiva para su carrera. El día de hoy sale a la venta el último libro de su obra póstuma.

Después de fallecer a los 27 años, los amigos y familiares de Jim Morrison encontraron una serie de papeles entre las pertenencias del cantante que contenían poemas, aforismos y ensayos que el cantante escribió a lo largo de su vida. Hoy salió a la luz con el nombre The Collected Works Of Jim Morrison: Poetry, Journals, Transripts And Lyrics, publicado por HarperCollins. En este libro se recopila material inédito que viene de 28 libretas del cantante, así como 160 fotos e ilustraciones realizadas en la época.

Jim Morrison nació en Melbourne, Florida el 8 de diciembre de 1943. Es considerado uno de los cantantes más representativos e influyentes en la historia del rock y representó la contracultura juvenil por muchos años. Los constantes viajes de su padre influenciaron en él desde muy pequeño:  Morrison creció sin apego a lugares o personas, y esto le hizo mirar hacia la expresión artística. Desde muy joven escribía poesía, pintaba y leía.

Morrison adoptó el alias de «Rey Lagarto» debido a uno de sus textos, The Celebration of the King Lizard, que se volvió un espectáculo poético y musical. Su banda The Doors se hizo conocida por canciones como «Light My Fire», «Hello, I Love You» y «Touch Me», así como por su estilo psicodélico, acorde a una época en la que se comenzó a experimentar con drogas psicotrópicas y toda la movida artística exploraba la espiritualidad y existencialismo.

Otros libros de Jim Morrison

The Lords, and The New Creatures (1970): este volumen fue publicado por el autor. Es una exploración sin tapujos del lado oscuro de la sociedad. Tiene como foco principal sus ideas sobre las drogas, el sexo y la muerte.

The Lords and the New Creatures. Publicado por Simon & Schuster.

Wilderness: The Lost Writings of Jim Morrison (1989): el libro se publicó después de su muerte. Se compone de poesía, aforismos, ensayos y epigramas. Los poemas están llenos de metáforas, sensaciones y diversas experiencias cuyo tópico es la noche, el sexo, la soledad, la muerte, Norteamérica y el amor. Varios poemas poseen preguntas, lo que da la sensación de una autoentrevista.

Wilderness: The Lost Writings of Jim Morrison. Publicado por Vintage Books.

The American Night (1991): También publicado de manera póstuma, este libro de poesía se estructura en diez secciones. Se basa en teorías donde aparecen, de acuerdo al editor, «imágenes de pesadilla, asociaciones atrevidas, y un poder volcánico de emoción».

The American Night. Publicado por Villard Publishing.

Cien años de Astor Piazzolla

Astor Piazzolla es conocido por revolucionar el ritmo del tango mezclando sus orígenes con un toque contemporáneo. Miles de músicos celebrarán el centenario de su nacimiento con diversos homenajes a lo largo del mundo.

El 11 de marzo de 1921, en la ciudad de Mar del Plata, llegó al mundo quien se considera como el creador del Tango Nuevo, Astor Piazzolla. Nacido de padres inmigrantes italianos, se mudó a la ciudad de Nueva York a los tres años, donde comenzó a tocar el bandoneón y a llevar clases, más tarde, con el también compositor argentino Alberto Ginastera.

A lo largo de su carrera, se le cuestionó mucho acerca de su estilo y sobre el «verdadero» género musical que componía. Según una de las primeras notas que le hizo la BBC en el 2002, «Como toda «revolución», los vientos de cambio provocaron fascinación y rechazo, y algunos músicos acusaron a Piazzolla de no hacer tango». A esta acusación, Piazzolla siempre respondía de manera cándida: «Es música contemporánea de Buenos Aires». 

Precisamente, ese aspecto de contemporaneidad fue el elemento que tocaba en sus composiciones: «Las mejores obras de Piazzolla filtran la seducción de los orígenes del tango en los burdeles de Buenos Aires a través de una sensibilidad modernista, empleando agrupaciones tonales disonantes y bofetadas de instrumentos de percusión», dice Barbara Jepson para una nota en The Wall Street Journal. 

La música de Piazzolla ha sobrevivido estos últimos años gracias a la existencia de diferentes grupos de homenaje. Entre ellos destaca, por ejemplo, el quinteto Astor Piazzola, creado por la viuda del compositor. Ellos han publicado una compilación con Warner Classics, donde interpretan estructuras musicales como «Adiòs Nonino», «Libertango» y «Oblivion»; estas ya han sido publicadas de manera virtual, pero también saldrán en la forma de un vinilo que saldrá a la venta el próximo 19 de marzo. Recientemente, se han llevado a cabo presentaciones online con algunas de las composiciones más conocidas del músico argentino. Este fue el caso de la Orquesta Sinfónica de Boston, que representó en vivo «Aconcagua» en enero del presente año. Así mismo, el legendario Teatro Colón de Buenos Aires montó «Piazzolla 100» a inicios de este año (hasta el 20 de marzo). Por su parte, el Complejo Teatral de Buenos Aires realizará una serie de espectáculos organizados por el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. La mayoría de estas funciones pueden ser vistas en sus respectivas páginas web. 

Celebrando a Lima

La capital peruana está de fiesta. Veamos algunas ocasiones donde su presencia se hace sentir más allá de una mención honrosa.

Escribe Juan Molina

Imagen: Pasado, presente y futuro, de Sherman Meléndez

Lima cumple un año más de vida. Fundada en 1535, la Ciudad de los Reyes está presente en la literatura peruana desde sus inicios y ha sido configurada desde diferentes puntos de vista. Las costumbres de su gente, el espacio físico y una miríada de sucesos históricos la han marcado en sus más de 480 años de creación con la llegada de los españoles al territorio incaico. A continuación, presentamos algunas ocasiones donde ha sido la protagonista:

Acta de fundación de la ciudad de los Reyes del Perú (1535)

Es el más antiguo documento, del que se tiene registro, donde se menciona a la capital peruana. En ella se establece el traslado de la capital desde la zona andina de Jauja a esta parte de la costa porque: «el dícho pueblo de xauxa se fundo arríba en la sierra no estava vísto para que el dícho pueblo estuvíese mejor fundado». En el mismo documento se establece que hubo una inspección de la zona, lo que dio como resultado que nuestra actual ciudad fuese el lugar perfecto para evangelizar a los indios y vivir como católicos. Además, se señala que «se llame desde agora para siempre jamas la cíbdad de los Reyes el qual hizo y poblo en nombre de la Santísíma trinidad».

Acta de Fundación Original de la Ciudad de Lima expuesta en la Biblioteca Municipal de Lima. Fuente: diario El Comercio

«El Perú es Lima» 

Una de los silogismos más conocidos por los peruanos se le atribuye al escritor Abraham Valdelomar. La frase dice: «El Perú es Lima, Lima es el Jirón de la Unión, el Jirón de la Unión es el Palais Concert y el Palais Concert soy yo». Por ese tiempo, la frase hace referencia a la ciudad capital como el centro de la vida intelectual. Como director de la revista Colónida, el Conde de Lemos se encargó de reunir a los más notables pensadores jóvenes de su época, como Eguren, Mariátegui y Vallejo, quienes fueron parte de aquel grupo iconoclasta que surgió en Lima hace ya un siglo.

El interior del Palais Concert

Lima de veras (1948) – Chabuca Granda

Lima no es una mención en una frase estrambótica o el espacio donde se desarrolla algún acontecimiento real o ficticio. Lima es un organismo vivo que respira, llora y, en especial, canta. La famosa compositora de valses criollos lo sabía y dedicó esta magnífica pieza a la hermosa ciudad que la vio florecer. Con su marinera y sus personajes pintorescos, la letra expresa los bailes propios de la ciudad y las añoranzas de un pasado esplendoroso.

Tus siluetas recortadas quitan luz al paredón

La callecita engalanada cede paso a la ilusión

Sombras que ocultan miradas, celos de inmensa pasión

Coquetería desgranada en jaranas de cajón 

Chabuca Granda (1920-1983)

Lima, la horrible (1964) – Augusto Salazar Bondy

Desde su aparición, fue considerado como un texto desafiante —e incluso traicionero— por las cúpulas intelectuales de la época. Salazar Bondy aseveró que Lima era fea porque toda su estructura social se basaba en el falso enaltecimiento de un glorioso pasado colonial. De esta forma, en Lima se observaba su vana belleza barroca que «lo tiraron abajo los sismos, la putrefacción, la polilla, los alcaldes». Mientras tanto, la juventud limeña se iba adoctrinando, involucionaba desde la rebeldía hasta el conservadurismo y esa es la sociedad que heredaba la ciudad de los Reyes.

Lima la horrible, en edición de Populibros Peruanos

Mañana, las ratas (1984) – José B. Adolph

Es el año 2034. Los estados-nación han desaparecido, y Lima ha dejado de ser una capital como tal. La ciudad original se encuentra en una podredumbre terrible donde diversas agrupaciones marginales han empezado a invadir sus calles y llamar a la reforma. Los recuerdos y anécdotas de Tony Tréveris marcarán el camino desolador que enfrentan sus calles: las avenidas Larco, Arequipa, Vega y Tacna ahora son atravesados por una enorme vía expresa en la cual está permitido atropellar a los transeúntes que no usan los puentes peatonales. El Centro Cívico y sus alrededores se encuentran infestados de las «ratas», seres humanos rechazados por las grandes corporaciones; mientras tanto, el interior del Cerro San Cristóbal se ha convertido en la base de operaciones del Directorio Regional.

Mañana, las Ratas (Minotauro, 2020)

Este es mi mundo este es mi Dios (1999) – Juan Manuel Champi

Es de noche en la ciudad. Los edificios nacen de una bruma azul que bien podría ser el Río Hablador, o simplemente una calle mal iluminada. Lo cierto es que estos pequeños rascacielos de Lima se encuentran doblemente empequeñecidos: hay un puente que, de estar de pie, podría ser lo más alto de esta obra del pintor arequipeño; mientras que la imponente cruz del Cerro San Cristóbal brilla en el centro y arriba del cuadro, que marca la altura máxima del antiguo apu de la ciudad de Lima; alrededor de su larga falda, las luces tratan de alcanzar la cima, lo que da la ilusión que el cerro está danzando. Está vivo. Los edificios, por su lado, hacen su último manotazo de ahogado usando su reflejo para crecer; pero es inútil, como todo reflejo se termina por desvanecer en el infinito.

Beethoven: vivo y romántico

Los 250 años de su nacimiento crean el momento preciso para hacer un repaso por la vida, obra y herencia que nos otorga uno de los compositores más importantes de la cultura occidental: Ludwig van Beethoven.

Escribe Juan Antonio Molina

El romanticismo es el paso que sigue, en la historia del arte universal, a la perfección de las formas y el enaltecimiento del pasado grecolatino que propagó al clasicismo. Surgido durante la Alemania del siglo XVIII, es una etapa marcada por la exaltación del individualismo, las tensiones con la naturaleza y una búsqueda de la libertad. Como movimiento cultural tuvo manifestaciones en diversas artes: literatura, arquitectura, pintura o música. En esta última, su nacimiento se encuentra en la figura de Ludwig van Beethoven.

No se sabe con certeza su fecha de nacimiento, pues no está documentada. Sin embargo, un documento fija su bautismo el 17 de diciembre de 1770 en la ciudad alemana de Bonn, por lo que se asume que nació un día antes: el 16 de diciembre.

Descendiente de un linaje de músicos, su padre lo educó para continuar el legado familiar. Desde temprana edad hizo que Ludwig aprendiera piano, órgano y clarinete con la idea de seguir el ejemplo de otro niño prodigio, Wolfgang Amadeus Mozart. El fuerte interés de su padre hizo que en repetidas ocasiones mintiera sobre la edad de su hijo y causara cuestionamientos acerca de la edad que tuvo Beethoven cuando debutó como pianista en marzo de 1778, con tan solo siete años.

Serán las figuras de W. A. Mozart y J. Haydn (quien fuera su maestro junto a Salieri) las columnas que sostendrán el primer período de la música de Beethoven. Sin embargo, su espíritu rebelde e iconoclasta lo llevó rápidamente a renegar de la armonía, la simetría y las formas repetitivas que ofrecía el clasicismo. A partir de esta disyuntiva, empezó a desarrollar nuevas maneras de expresar los sentimientos y el alma humana a través de la música.

El camino hasta lograr esta experimentación del lenguaje musical se divide en tres etapas, según la división propuesta originalmente por el escritor Wilhelm von Lenz, y la cual se ha mantenido a lo largo del tiempo con pequeñas variaciones. Durante la etapa temprana (1782 – 1802), son claras las influencias que ejercen los compositores del clasicismo europeo en su obra (Mozart y Haydn); en este periodo se identifica la composición de su dos primeras sinfonías, o los tres tríos para piano, violín y violonchelo (Opus 1) que dedicó a su maestro Haydn, a pesar de no coincidir musicalmente con él.

Durante la segunda etapa (1803 – 1814) se dieron los primeros síntomas de su terrible sordera. Esto a su vez permitió a Beethoven experimentar con fuertes contrastes dinámicos, acentos explosivos y la extensión de los movimientos de las obras. Los cambios que propuso el compositor fueron tan profundos que aparecieron nuevas formas musicales: el elegante minueto se transformó en un scherzo enérgico y que daba la sensación de estallidos. Entre las obras más destacadas de este periodo está el estreno de su única ópera Fidelio, y de las Sinfonías N.° 7 y 8. Al inicio de esta etapa se ubica su famoso Testamento de Heiligenstadt, donde reconocía la profunda depresión que lo embargaba al perder la audición hasta el punto de querer suicidarse, así como sus ganas de superar este mal a como diera lugar.

La última etapa (1815 – 1827), marcada por su avanzada sordera, se define como el momento de mayor introspección a su persona, lo que permitió al músico profundizar en formas totalmente novedosas para la época. Asimismo, en estos años se inician los cambios más profundos en lo que respecta a la función de los músicos dentro de la sociedad. Beethoven obtuvo la libertad de componer a gusto propio gracias a un trato que hizo con sus mecenas. El trato consistía en un pago mensual de 4000 libras esterlinas a cambio de quedarse en Viena. Este fue el hito que inició la independización de los músicos, quienes, antes de él, se veían forzados a vivir como sirvientes de las familias aristocráticas o morir en la extrema pobreza, como sucedió con Mozart. Los últimos años verán el estreno de sinfonías como La Heroica — dedicada inicialmente a Napoleón, pero luego su nombre fue tachado de la partitura luego de que este se nombrara como Emperardor—, sus últimas sonatas para piano y la famosa «Novena sinfonía», donde incluía una voz humana.

La obra del compositor romántico, 250 años después, sigue teniendo un gran impacto en la cultura popular, siendo adaptada innumerables veces para distintos medios como películas (X-Men Apocalipsis), dibujos animados (Fantasía de Walt Disney), himnos (la Novena fue adaptada a pedido de la Unión Europea y renombrada como Himno de la Alegría), y otros géneros como el rock y la salsa. A nivel tecnológico, también tuvo una gran influencia: se dice que los primeros CD-ROM fueron diseñados por un equipo impulsado por el famoso director de orquesta Herbert von Karajan para durar 74 minutos y 33 segundos (en vez de los 60 minutos previstos inicialmente) con la única intención de lograr reproducir la «Novena sinfonía». Aunque este dato no está confirmado, los rumores señalan que esta sinfonía era la referencia que Norio Ohga, presidente de Sony de ese entonces, usaba para saber cuál era la extensión necesaria para las grabaciones en el novedoso formato.

Como última curiosidad, la crisis sanitaria que ha atravesado la humanidad a lo largo de este año ha permitido que las personas puedan vivir, de una forma que baila entre la ironía y la justicia poética, el aislamiento que tuvo que pasar Beethoven debido a aquella sordera que lo fue alejando de lo único para lo que aprendió a vivir.

Frank Sinatra: hace 105 años nació la Voz

Actor, cantante y activo promotor del partido demócrata, Frank Sinatra sigue marcando el paso para miles de amantes del cine y la música hasta el día de hoy.

¿Quién no conoce, o no ha escuchado, a Frank Sinatra? La leyenda de la música nació un 12 de diciembre de 1915, y con su vida ha dejado una huella importante en la cultura estadounidense con una larga lista de canciones inolvidables y habiendo actuado en clásicos del cine mundial.

Nacido de padres inmigrantes italianos, escogió durante su adolescencia la profesión del canto tras escuchar y ver en vivo a Bing Crosby. En su juventud temprana formó parte de algunas bandas, una incluso llegó a irse de gira por todo Estados Unidos. Hacia 1940, después de haber conseguido fama como vocalista, pasó a formar parte de la banda del trombonista y compositor de jazz Tommy Dorsey. Dejaría la banda en 1942.

Sinatra comenzaría su carrera actoral en 1943 con la película Reveille with Beverly (Sueño con Beverly). Sin embargo, durante aquel tiempo comenzaría también la etapa más dura de su carrera, pues perdería su popularidad musical debido a la reticencia de cambiar de género y estilo musical. Esta caída se agudizaría hacia 1948 y duraría cinco años, tiempo en el que llegó incluso a perder su voz por una hemorragia de sus cuerdas vocales. No es hasta 1953 que el cantante vuelve a la fama tras haber ganado un premio Oscar por participar en la película From Here to Eternity (De aquí hasta la eternidad), dirigida por Fred Zinneman, y en la que trabajó junto a Burt Lancaster y a Montgomery Clift y Deborah Kerr.

Sinatra falleció en 1998, después de una vida de éxito y fama, y ligada fuertemente a la política durante sus últimas décadas, cuando participó de campañas para el partido demócrata del país. Durante sus últimos años fue diagnosticado —y hospitalizado— con diferentes problemas del corazón y respiratorios, además de demencia. Fallece a los 82 años debido a un ataque cardíaco.

El legado que dejó el artista se mantiene vigente hasta el día de hoy. Se reconoce la influencia que tuvo en la carrera de otros cantantes y figuras musicales como The Beatles, Jim Morrison o Michael Jackson. Fue además el primer artista en crear un álbum de música conceptual, cuyos títulos tuvieran correlación entre sí, ya sea en temática o de género. Asimismo, ha sido considerado por el medio británico The Guardian como la primera estrella pop de la historia, llegando a delinear el modelo de artista o entertainer que se ha seguido por artistas hasta el día de hoy.

John Lennon: A cuarenta años de su muerte

Hace cuarenta años el mundo se despedía del primer Beatle en partir de la historia. La noche del 8 de diciembre de 1980, John Lennon recibió cuatro disparos —dos en el lado izquierdo de la espalda y dos en el hombro del mismo lado— en la entrada del Dakota, el edificio de apartamentos donde vivía, ubicado en la esquina noroeste de la Calle 72 y la Octava Avenida.

Escribe Erick Saavedra

Unas horas antes del crimen, John Lennon le había firmado a su asesino un disco de Double Fantasy, el cual fue encontrado en el suelo junto al revólver. Dicen que mientras esperaba a su víctima, leía El guardián entre el centeno, el clásico de J. D. Salinger. Quizá se sentía identificado con algunos rasgos de la personalidad de Holden Cauldfiel en Nueva York, pues él mismo había anotado: «Esta es mi declaración».

El asesinato de Lennon fue cometido por Mark David Chapman. Según reportes policiales, él había sido fan de la banda inglesa durante décadas, pero tras sufrir una conversión religiosa comenzó a inseminar odio hacia Lennon, específicamente por el comentario que hizo en una entrevista catorce años antes de su muerte. «More popular than Jesus» (Más populares que Jesús) afirmaba Lennon en marzo de 1966. Según la visión del músico, la banda había sobrepasado la fama del ícono religioso y la fe cristiana desaparecería lentamente para ser finalmente reemplaza por la música rock.

La foto del legendario músico firmando los que serían sus últimos autógrafos darían la vuelta al mundo. Más adelante, su figura sería convertida en un mito, un inalcanzable estatus de fama y riqueza; imagen que marcaría a las siguientes leyendas del rock.

A saber, sobre el asesinato, se han producido dos largometrajes: The Killing of Jhon Lennon, de 2006, y Chapter 27, del 2007; ambos centrados en Chapman y su crimen. Asimismo, en el 2016 se estrenó The Lennon Report, un documental que retrata los minutos en que doctores y enfermeras intentaron revivir al Beatle, quien había llegado al hospital sin pulso y sin respirar.